Reudnitz-Thonberg

Tipps für die Oscar-Nacht

2011-02-27T18:26:00.000+01:00

Eigentlich deuteten alle Zeichen auf eine langweilige Oscar-Nacht hin. David Finchers Facebook-Film The Social Network räumte einen Kritikerpreis nach dem anderen ab. Spätestens mit dem Triumph bei den Golden Globes schien der Sieg in der Oscar-Nacht nur noch Formsache. Dann jedoch meinten die diversen Hollywood-Gewerkschaften die Sache noch einmal spannend machen zu müssen. Produzenten und Regisseure zeichneten klassisches "Oscar bait" namens The King's Speech aus und sorgten damit für Stirnrunzeln. Wem sollte man nun trauen? Den "Vorboten der Oscar-Nacht", also den Golden Globes, oder doch eher den Regisseuren, die zu 90 Prozent auch den späteren Oscar-Sieger auszeichnen?

The King's Speech vs. The Social Network - man könnte im Prinzip eine Münze werfen. Hier meine Tipps für die Kategorien, die mich am Meisten interessieren (in Klammern: mein B-Tipp):

Bester Film: The Social Network (The King's Speech)
Beste Regie: David Fincher, The Social Network (Tom Hooper, The King's Speech)
Bester Hauptdarsteller: Colin Firth, The King's Speech (es kann nur Firth werden)
Beste Hauptdarstellerin: Natalie Portman, Black Swan (es kann nur Portman werden)
Bester Nebendarsteller: Christian Bale, The Fighter (John Hawkes, Winter's Bone)
Beste Nebendarstellerin: Melissa Leo, The Fighter (Hailee Steinfeld, True Grit)
Bestes Original-Drehbuch: David Seidler, The King's Speech (Christopher Nolan, Inception)
Bestes adaptiertes Drehbuch: Aaron Sorkin, The Social Network (es kann nur Sorkin werden)
Bester Animationsfilm: Toy Story 3 (dann hört die Welt auf, sich zu drehen)

Um die anderen Kategorien beurteilen zu können, habe ich zu wenige Filme davon gesehen. Schade finde ich, dass für Winter's Bone, den Coen-Western True Grit und für Aronofskys Meisterwerk Black Swan in den Hauptkategorien nichts zu holen sein wird. Mit Ausnahme natürlich der Auszeichnung für Natalie Portman, die ja auch schon von Opposum Heidi bestätigt wurde.

Red Hill

2011-02-18T00:15:00.000+01:00

Irgendwas muss ja dran sein an diesem Film, den die Kinobar Prager Frühling trotz DVD-Premiere Ende vergangenen Jahres auf die große Leinwand hievt, den Kritiker überwiegend loben, den LVZ-Feuilletonist Norbert Wehrstedt als "grandioses Kino" bezeichnet.

Ja, die Bilder sind fantastisch. Die Landschaftsaufnahmen, die brennenden Häuser und die Gewitterwolken, die wohl gewählten Kameraeinstellungen. Und weiter?

Ist es eine Stärke, wenn ein Film komplett überraschungs- und spannungsfrei bleibt? Wenn er sich Anleihen beim Western nimmt, diese aber so halbherzig umsetzt, dass man das kaum ernst nehmen kann? Wenn man Story-Wendungen und üble Missverständnisse/Verwechslungen 20 Meilen gegen den Wind riecht? Wenn der Hauptdarsteller zwar den beschränkten Bruder von Sookie Stackhouse überzeugend auf die Reihe bekommt, hier aber mit einem eigentlich oberflächlichen Charakter überfordert ist? Macht das Spaß, einem entflohenen Hälftling dabei zuzusehen, wie er Charaktere niedermetzelt, die einem scheißegal sind?

Es ist leider keine Übertreibung: Red Hill ist bis ins kleinste Detail berechenbar. Die Musik plätschert planlos vor sich hin, der "Rachefeldzug" befriedigt nicht einmal die niedersten Instinkte eines Slasher-Freundes. Manchmal fühlt man sich wie in einer Komödie. An welchen Stellen Norbert Wehrstedt die "unheilschwere, düsterdrückende Stimmung" gespürt und ein "gnadenloses schweißtreibendes" Drama gesehen haben will, weiß ich nicht.

Scheiß auf die schönen Bilder. Was für eine Enttäuschung.

Auf DVD/Blu-Ray

Red Hill in der IMDb, Trailer bei YouTube

Es muss ja nicht immer Big Budget sein

2011-02-10T13:36:00.000+01:00

Läuft derzeit im Kino... in Bochum.

Bambi: Das Eichhörnchen, das Streifenhörnchen und die Biene

2011-02-09T13:33:00.000+01:00

Es passiert selten genug, dass die Pressemitteilungen der Filmverleiher irgendwelche wirklich interessanten Infos beinhalten. Zum Start des Jim Carrey-Films Number 23 durfte man sich beispielsweise über allerhand Anekdoten zur Zahl 23 erfreuen. Geschenkt.

Nun will es Disney mal wieder in der Kasse klingeln lassen und veröffentlicht den Klassiker Bambi und dessen Fortsetzung aus dem Jahre 2006 in einer so genannten "Diamond Edition", natürlich "nur für kurze Zeit". Trotz des stolzen Preises von knapp 30 Euro bin ich sogar ein wenig am Überlegen, ob ich mir das mal leisten soll.

Sowohl der erste als auch der zweite Teil bestechen durch einen ganzen besonderen Charme, der auch Filmen wie Mrs. Brisby und das Geheimnis von NIMH anhaftet, vielen modernen Trickfilmen aber komplett abgeht. Die Mischung aus traditionellem Zeichentrick (im Fall von Bambi mit einer großartigen Mischung aus Detailversessenheit und außergewöhnlichem, innovativen Stil), liebenswerten Charakteren, die keine 200 Wörter pro Minute vor sich hin quasseln (der erste Teil von Bambi soll weniger als 1000 Wörter gesprochenen Dialogs aufweisen), und Momenten wahrhafter Tragik macht's wohl. Das schafft Dreamworks überhaupt nicht und selbst Pixar nur mit Abstrichen.

Nun ja, aufgrund meiner Sympathie für die beiden Bambi-Filme habe ich mich dann ausnahmsweise mal durch die Presse-Mail gelesen. Darin geht's um drei Charaktere aus der Konzeptions-Phase für den ersten Teil, die es später aber nicht mehr in den fertigen Film geschafft haben. Nichts Spektakuläres; ich find's aber ganz interessant:

In der frühen Planungsphase des Films arbeiteten die Disney-Animatoren akribisch an der visuellen Ausarbeitung der verschiedenen Charaktere und füllten so ganze Wände mit ihren Zeichnungen und Konzepten von Waldtieren, die Bambi im Laufe der Geschichte treffen sollte.
Unter den vielen Entwürfen finden sich beispielsweise ein Eichhörnchen und ein Streifenhörnchen, die ursprünglich mehrfach im Film erscheinen sollten. Die Figuren wurden bereits in Notizen ausgearbeitet und detailliert charakterisiert. So wurde das Eichhörnchen als ein schnellsprechender, rustikaler Zeitgenosse beschrieben, der in seiner Art und Weise einem netten aber unbeherrschten alten Mann glich. Er erzählt viele Lügenmärchen, die sogar der junge Bambi nicht glaubt und steckt seine neugierige Nase überall hinein. Sein Begleiter – und das genaue Gegenteil – ist ein kleines Streifenhörnchen, was in der Vorstellung der Zeichner eine hohe, piepsige Stimme haben sollte. Er weicht nicht von Eichhörnchens Seite und benimmt sich stets wie dessen Handlanger. Den besonderen Charme dieses Duos machte neben ihrem ständigen Mumpitz auch ihre gemeinsame Liebe zu Nüssen aus.
Je weiter die Produktion fortschritt, desto klarer wurde dem Animationsteam, dass das lustige Zusammenspiel der beiden Nager zu sehr von der Haupthandlung ablenkte, weshalb an diesem Einfall schließlich nicht weitergearbeitet wurde.
Ebenso erging es einer kleinen Biene, die sich in den frühen Produktionsnotizen von 1937 findet. Auch hier hatte man bereits ganz genaue Vorstellungen von dem Wesen und der Erscheinung des Charakters. Er wird als kampflustiges, streitsüchtiges und brummiges Kerlchen beschrieben, der wegen seiner aufbrausenden, ja fast cholerischen Art bei den Waldbewohnern nicht besonders beliebt ist. Unter den Zeichnungen fand sich auch eine vollständig ausgearbeitete Episode in der die Biene versehentlich von Bambi verschluckt wird, als dieser ein Büschel Klee frisst.
Ursprünglich sollte daraufhin eine mit Dialog ausgeschmückte, humorvolle Szene folgen, in welcher Bambis Freunde versuchen die Biene aus seinem Bauch zu befreien. Schließlich wurde aber auch dieser Idee nicht weiter nachgegangen.
Obwohl die Ausarbeitungen und Skizzen sowohl charmant als auch unterhaltsam sind, suchte man letztendlich doch in andere Richtungen weiter und entschied sich schließlich für die heute bekannten Charaktere Klopfer und Blume, während die verworfenen Konzepte und die dazugehörigen Zeichnungen in den Archiven der Animation Research Library schlummerten.

Winter's Bone

2011-02-01T22:52:00.005+01:00

Wenn sich ein Film mit der Auszeichnung "Sundance-Gewinner" schmücken darf, ist das für mich immer schon mal ein gewichtiges Kriterium, für diesen Film Interesse zu entwickeln. Im vergangenen Jahr war es das Thriller-Drama Winter's Bone, das den Großen Preis der Jury absahnen konnte.


(c) Ascot Elite

Worum geht's? Ree Dolly (Jennifer Lawrence, dafür Oscar-nominiert) lebt in ärmlichen Verhältnissen in den hintersten Winkeln von Missouri, ist 17 Jahre alt und muss sich allein um ihre beiden jüngeren Geschwister kümmern. Ihre Mutter sitzt den ganzen Tag wortlos in einem Sessel, ihr Crystal kochender Vater ist auf Kaution aus dem Knast raus. Für den ersten Verhandlungstag vor Gericht ist er unauffindbar, weshalb die Kaution innerhalb von einer Woche droht fällig zu werden. Das wäre Ree komplett egal, hätte ihr Vater nicht das Haus und den angrenzenden Wald als Kaution gestellt. Nun begibt sich Ree also auf die Suche nach ihm, denn nur, wenn er vor Gericht erscheint, bleibt ihr und ihrer Familie ein Zuhause.

Die Suche nach ihrem Vater verläuft zunächst ein wenig nach immergleichem Muster. Person A sagt: Begib dich zu Person B, Person B sagt: Begib dich zu Person C, und so weiter. Auskunft gibt ihr niemand gern und je tiefer sie vordringt, desto mehr nimmt die Gesprächsbereitschaft der "Hinterwäldler" ab. Das wirkt zunächst ein wenig arg gewollt, doch je offener und deutlicher ihr der Hass entgegen schlägt, desto besser wird Winter's Bone. Irgendwann wird klar, dass nicht einfach nur ihr Vater verschwunden ist, sondern dass sich Ree in Angelegenheiten einmischt, die aus Sicht einiger besser im Verborgenen bleiben sollten.

Ich will hier nichts von einer "präzisen Beobachtung" oder ähnlichem schreiben, da ich keinen blassen Schimmer habe, wie das Leben in den Wäldern von Südmissouri aussieht. Ich belasse es bei: Winter's Bone ist intensiv gespielt, allen voran das beeindruckende Talent Jennifer Lawrence, und in seinen besten Momenten unterschwellig enorm spannend, dann, wenn niemand ein Wort sagen muss, nur aufgrund von düsteren Blicken eine bedrohliche Stimmung entsteht, und man sich nicht sicher sein kann, ob sich diese nicht gleich in roher Gewalt entlädt. Das alles eingebettet in eine Atmosphäre von Armut, Hass und Perspektivlosigkeit, aber hier und da auch ein wenig Menschlichkeit, und vollendet von einer bitteren Teufelskreis-Pointe, auch wenn diese dem Zuschauer nicht auf dem Silbertablett serviert wird.

Kino-Start: 31. März 2011

Winter's Bone in der IMDb, Trailer bei YouTube

Somewhere

2011-01-29T22:29:00.006+01:00

Sofia Coppola hat sich mal wieder Zeit gelassen. Viiieeel Zeit. Mal dreht ein Auto einsam Runde um Runde. Mal liegt Johnny Marco (Stephen Dorff, Blade) in seinem Bett und schaut minutenlang zwei Mädels zu, die sich in seinem Zimmer an zwei mitgebrachten Stangen räkeln. Und dann liegt er auch mal mit seiner Tochter Cleo (Elle Fanning) am Swimmingpool und die Trailer-Musik von Phoenix begleitet einen schier unendlich langen Zoom-Out.

Manche meinten, Somewhere sei die inoffizielle Fortsetzung vom großartigen Lost in Translation. Sagen wir mal, es existieren gewisse Parallelen. Das Erzähltempo, der Schauspieler im Mittelpunkt des Geschehens, die Langeweile der Protagonisten. Doch sieht man davon ab, dass ein Tokio ähnlicher dritter Hauptdarsteller diesmal fehlt, sind da auch noch genügend andere Unterschiede, die Somewhere eigenständig genug erscheinen lassen.

Trotzdem: So schön und selten es ist, eine spezielle Handschrift erkennen zu können - noch schöner wäre es, wenn Sofia Coppola irgendwann mal keine gelangweilten Jungfrauen, Schauspieler oder Königinnen in den Mittelpunkt ihrer Handlung setzt. Vielleicht mal Menschen, die Freude am Leben haben. Wäre mal etwas anderes und der durchaus notwendige nächste Schritt in ihrer bislang bemerkenswerten Karriere als Drehbuch-Autorin und Regisseurin.

Um noch mal zu Somewhere zurückzukommen. Mir haben die Virgin Suicides und vor allem Lost in Translation etwas besser gefallen. Im Vergleich zu Marie Antoinette, welcher schlechter gemacht wurde als er ist, ist es allerdings wieder ein Schritt nach vorn. Das Ende ausgenommen (Sofia Coppola ist anscheinend einfach kein sinnvolles eingefallen) hat Somewhere quasi keine Schwächen. Er hat sowohl witzige als auch anrührende Momente, ist atmosphärisch in Szene gesetzt und hat durchweg sympathische Charaktere, gespielt von überzeugenden Darstellern. Somewhere hat nicht mal irgendeine Form von Konflikt im Gepäck, nicht einmal einen kleinen Mini-Konflikt wie gegen Ende von Lost in Translation. Alles geht vollkommen harmonisch zu und genau das haben ihm einige/viele als Schwäche ausgelegt. Somewhere ist nun sicher auch nicht der typische Gute-Laune-Film. Es ist einfach der perfekte Film für alle (akut) Harmoniebedürftigen und für alle, die den Filmgeschmack von Quentin Tarantino teilen. Und bei aller gepflegten Langeweile ist er eines nie: langweilig. Das schafft wohl auch nur Sofia Coppola.

Im Kino

Somewhere in der IMDb, Trailer bei YouTube

Black Swan

2011-01-27T23:48:00.004+01:00

Mir schwant (sorry), dass das Publikum, mit dem ich mir heute den Saal geteilt habe, eventuell etwas anderes erwartet hat. Vielleicht mehr Ballett, vielleicht etwas mehr "Anspruch", vielleicht auch weniger Blut, Sex und Psycho-Horror. An der Qualität des Films kann es wohl kaum gelegen haben, dass es hier und da ziemlich unruhig im Saal wurde.

Vielleicht ist Aronofsky auch einfach in solch alptraumhafte Dimensionen vorgestoßen, wie es sich selbst der gut vorbereitete Kinogänger nicht vorgestellt hatte. Ich weiß nicht mehr, wo ich den Satz "Er lässt den Wahnsinn von der Leine" gelesen oder gehört habe, aber genau das ist es, was Aronofsky im letzten Drittel tut. Wenn Knochen wie von Geisterhand brechen, Realität und Wahnsinn eine unheilvolle Allianz eingehen und Natalie Portman der Academy jegliche Wahlmöglichkeiten, an wen der Oscar für die beste Hauptdarstellerin gehen könnte, aus den Händen reißt.

Darren Aronofsky meinte, "Black Swan ist Natalie Portman", und da hat er verdammt nochmal recht. Wie sie erst den vom Ballett besessenen, verklemmten, zerbrechlichen weißen Schwan spielt, dann den Wandel zum schwarzen Schwan vollzieht, der zunehmend die Kontrolle verliert, und im großen Finale schließlich die "Perfektion" erreicht - das allein muss man einfach schon auszeichnen (wie es teilweise ja auch schon geschehen ist). Dass sie die Ballett-Tänzerin spielt, als hätte sie ihr ganzes Leben nichts anderes gemacht als Ballett zu tanzen, ist das i-Tüpfelchen. Und bei allem klebt ihr permanent die Handkamera im Gesicht. Oh ja, Black Swan ist Natalie Portman.

Geniale Portman, starker Film(, nerviges Publikum). Black Swan wird allen Vorschusslorbeeren gerecht und ist das erste Highlight des jungen Kinojahres. Wie schon bei "The Wrestler" muss man mit der Tätigkeit, der die Protagonisten nach gehen, überhaupt nichts am Hut haben. Vielleicht ist das sogar von Vorteil, denn umso erstaunlicher erscheint die Welt, in die einen Aronofsky auch bei Black Swan entführt. Anders als sein vorletzter Film trägt Black Swan allerdings schon eher jene Handschrift, wie man sie aus Requiem for a Dream oder The Fountain kennt. Eigentlich macht es nicht sonderlich viel Spaß, Leute zu beobachten, die ihre Obsessionen in den Wahnsinn treiben. Doch wenn Aronofsky dabei die Fäden zieht, gibt es nichts anderes als eine klare Empfehlung dafür. Aber bitte keinen Mainstream-Ballett-Film erwarten, sondern lieber mal den Trailer anschauen.

Im Kino

Black Swan in der IMDb, Trailer bei YouTube

Hereafter - Das Leben danach

2011-01-21T18:12:00.003+01:00

Clint Eastwood hat in den vergangenen Jahren allerhand bemerkenswerte Filme gedreht: Mystic River, Million Dollar Baby, Letters from Iwo Jima, Gran Torino. Sein neuer Film, der kommenden Donnerstag in den deutschen Kinos startet, gehört leider nicht dazu.

Matt Damon kann mit den Toten kommunizieren und damit Geld verdienen (möchte es aber eigentlich nicht (mehr) tun). Cécile De France erlebt eine tsunamibedingte Nah-Tod-Erfahrung und schreibt darüber ein Buch. Frankie McLaren, 12 Jahre alt, verliert seinen Bruder und kommt damit nicht klar. Drei Episoden also, die erst am Ende zusammenlaufen. Clint Eastwood sollte so langsam die Finger vom Episoden-Drama lassen. Das hat schon bei Flags of Our Fathers nicht wirklich funktioniert, bei Hereafter tut es das noch weniger.

Auch in seinen besseren Filmen schrammt Eastwood häufig nur haarscharf und mit viel Wohlwollen an Klischees vorbei. Nun gelingt ihm das nicht, was das große Problem ist. Vor allem die Episode um die nahtoderfahrene TV-Journalistin hat außer Langeweile nicht allzu viel anzubieten. In der Episode des kleinen Jungen mit drogensüchtiger Mutter gibt's ein wenig Kritik an Spinnern, die meinen, mit den Toten sprechen zu können, in Wahrheit aber nur die Hinterbliebenen über den Tisch ziehen. Viel mehr aber auch nicht. Im Prinzip gibt nur die Episode mit Matt Damon halbwegs was her, weshalb der Film folgerichtig (in Wahrheit natürlich vor allem aufgrund seines Namens) mit seinem Charakter vermarktet wird. Es lässt sich spekulieren, ob Hereafter ein besserer Film geworden wäre, wenn Eastwood die beiden anderen Episoden herausgestrichen und die Laufzeit unter die Zwei-Stunden-Marke gekürzt hätte.

Bis auf eine intime Szene zwischen Matt Damon und Bryce Dallas Howard geht einem das gesamte Geschehen nie wirklich nahe. Was wirklich erstaunt, in Anbetracht der emotionalen Wucht, die doch beispielsweise Million Dollar Baby oder Gran Torino entwickelt haben. Das Kernthema "Leben nach dem Tod" bleibt letztlich auch komplett an der Oberfläche.

Die wenig überraschende Zusammenkunft der drei Hauptcharaktere wirkt vollkommen konstruiert und das Ende des Films kommt absolut uninspiriert daher. Es leuchtet nicht ein, was Eastwood an diesem Stoff gereizt haben mag. Es leuchtet auch nicht ein, wie Drehbuchautor Peter Morgan nur wenige Jahre nach seinen Oscars für Frost/Nixon und Die Queen sowas hier abliefern konnte. Die Fähigkeiten eines Clint Eastwood verhindern zwar, dass "Hereafter" zu einem totalen Ärgernis gerät. An einen Filmemacher wie ihn stellt man jedoch andere Ansprüche als "harmloses Mittelmaß". Am Ende ist es wohl sein schwächster Film der letzten Dekade. Die Hoffnungen dürften nun auf dem Biopic über FBI-Gründer J. Edgar Hoover (mit Leonardo DiCaprio in der Hauptrolle) liegen, mit dem 2012/13 zu rechnen ist.

Kino-Start: 27. Januar 2011

Hereafter in der IMDb, Trailer bei YouTube (recht spoilerlastig)